Автор статьи

Эрика Робертс

Что вы видите, смотря на работы Рафаэля, Рембрандта, Вермеера? А что вы чувствуете, смотря на Кандинского, Малевича или Филонова? Почему искусство стало «таким» и нужно ли уметь его «прочитывать»?

Статья точно не сможет ответить на все ваши вопросы, но поможет раскрыть, а точнее приоткрыть осознанно-чувственное восприятие некоторых понятий изобразительного искусства. Для этого вам потребуется 25 минут и желание чуть ближе подойти к своему внутреннему ощущению понятия целостности.

Попробуем рассмотреть понятие «форма» еще шире, так как элемент воззрения данного значения не заканчивается синонимами закрытости или открытости.

Художественная форма классических произведений живописи являет собой всё многообразие приёмов, особенно ярким представляется композиционное решение. На примере мастеров эпохи Возрождения, картина является целостной, но в то же время сохраняет некую свободу. Через несколько десятков лет свобода обретает новую грань и превращается в роскошное буйство ритма и динамики в картинах эпохи барокко. И уже здесь видна эволюция формы, в контексте понимания «свободы». Сохраняются сюжеты, меняется взгляд на них.

Художественное средство, точка, тон и полутон, композиция или компоновка – всё это является общей картиной понимания слова «форма» в изобразительном искусстве. Форму трудно разделить на компоненты по отдельности, но она имеет свою эволюцию в течение всего развития художественной мысли человека.

Исследуя феномен формы, нельзя не отметить, как она менялась и что есть «форма» в современном представлении искусства?

«Каждое художественное произведение оформлено, представляет собой организм. Существеннейшим его признаком является присущий ему характер необходимости: в нём ничто не может быть изменено или смещено, но всё должно быть таким, как оно есть» – основа цитаты Генриха Вёльфлина является бесспорной с одним только «но» – расхождение во времени. Понятие «необходимости» и «не может быть изменено» никак не связывается с течением мысли современного человека. Форма в классическом и реалистическом искусстве является способом выражения преобразований в единую целостную картину. Это и является основным признаком формы – целостность восприятия. То есть в своей основе форма замыкается. Уточнение: форма может не иметь исключительную строгость, обретая всё большую свободу, но данный фактор меняется со временем.

На первую часть вопроса стоит взглянуть немного шире. Существо авангарда трудно сопрягается рядом с другими произведениями искусства, а точнее даже внутри данного течения. Поэтому его изучением и описанием важно заниматься в другой плоскости.

«Неэстетический объект выступает в эстетической функции» – в данной концепции М. И. Шапира раскрывается важная мысль об изменении не только изобразительного искусства, но и о влиянии авангарда и на все остальные сферы жизни, в частности на развитие эстетической мысли. Авангард создаёт, дополняет, открывает, снова создаёт совершенно новое понимание искусства не только в контексте создания картин, но и в том, как они живут после создания. Прагматичность авангарда является важностью понимания устройства этого течения: художник становится наблюдателем своих творений. То есть реакция, эмоция, чувственный контакт с произведением становится дополнением картины.

Авангард является вызовом к новому ощущению искусства. Более подробно об эстетике авангарда будет в следующих статьях.

Почему с Возрождения мы резко перешли к Авангарду?
На контрасте в 500 лет отлично видно изменение формы, а точнее ее скандальная, присуще для авангарда, трансформация. На таком примере можно рассмотреть, насколько преобразуется понятие «горизонталь и вертикаль», и к чему это приводит в изобразительном искусстве. В работах Павла Филонова это отлично рассматривается: произведения обретают атомизированную форму, но самое важное: картина остается целостной. Форма «режется» линиями и вновь сохраняет целостность.

Неужели дело только в форме?

Цвет, как самостоятельная единица пришла к нам не так давно. Раскрываясь в конце XIX века в пленэрных зарисовках, цвет выходит в новую форму. Стоит упомянуть: мы говорим о цвете в изобразительном искусстве. Социальная и культурная его роль имеет удивительную историю, особенно касаясь костюма, а в наше время рекламы и маркетинга.

Цвет, как составляющая картины, имеет важное значение и изучить палитру художника является трудной задачей по нескольким причинам:

1. Время. Краски на полотне по прошествии времени изменяются и часто не соответствуют цвету, который задумал художник. Кстати, это еще одна важная деталь современного искусства: у нас есть возможность соприкасаться с ним в реальном времени создания произведений.

2. Музей. Цвет часто зависит от составляющей света. Картина может располагаться при электрическом освещении, что тоже меняет задумку художника, особенно это касается старых мастеров.

3. Химия. Под «химией» имеется ввиду техническая составляющая красок, которые в каждом столетии имели свой состав. Так, потемневшие в наше время картины Пуссена, вероятно в его современности выглядели иначе.

4. Новые осознания. Художники, например XV столетия, совершенно по-другому воспринимали цвет и особенно расположение каждого цвета друг с другом. С появлением цветового круга все меняется, и теперь понимание терминов и деление цветов на тёплые и холодные тоже меняется.

Подробнее поговорим о порядке расположения цветов.

Почему фовисты?
Совершенно новое представление о цвете и его техническое применение в живописи. Никогда раньше цвет не звучал так ярко и живо, как в работах фовистов. Конечно, этому предшествовало начало пленэрной живописи и труды импрессионистов. Трудность описания технической составляющей картин фовистов заключается в их индивидуальности: здесь невозможно говорить про палитру художника, так как цвет непосредственно на холсте становится совершенно иным.

Как это происходит?
1. Поиск чистого цвета. Фовисты искали цвета, которые давали определённый свет. Краски должны были быть без смешиваний, «без грязи» и абсолютными. То есть они искали первооснову в каждом цвете: самый-самый синий, самый-самый жёлтый.

Матисс, Вламинк, Дерен и многие другие были в поисках интенсивных и мощных камертонов в цвете. Здесь стоит отметить произведения Куинджи: в основе его творчества тоже были чистые цвета, поэтому работы как бы светятся изнутри.

2. Роль цвета обретает новую грань: формирование структуры внутри картины. То есть цвет становится фактором передачи настроения и уже не привязывается к реальности.

Линейная перспектива, линия обзора, отвесная линия, линия света и тени.

Это понятие можно рассматривать с множества сторон: линия, как основа для создания света и тени, линия как элемент перспективы, линия, определяющая вертикаль и горизонталь, линия, создающая ритм и динамику картины. И это только в изобразительном искусстве.

Любой вид искусства нельзя представить без линии, так как она является неотъемлемой его частью.

Предлагаю немного разобраться в понятии и расширить осознания о важности линии в произведениях искусства. Дальнейшее её изучение читайте в следующих статьях.

Линия имеет множество свойств, видов и характеристик, которые в свою очередь связываются с формой и цветом. Пластическое движение линии, её динамика способны передать настроение картины. Амплитуда и ритм колебания линии помогают увеличить или уменьшить эмоциональное восприятие картины. История линии прослеживается с первобытного общества. На этом остановимся.

ФОРМА

ЦВЕТ

Многогранное, вызывающее неотъемлемый интерес к познанию. Понятие «цвет» можно рассматривать с разных сторон: с исторической, художественной или с социокультурной. Цвет является не только природным явлением, модернизированным современными технологиями, но и занимает важное социальное место. Определение и значимость цвета в различных областях нашей жизни нельзя уместить в одну статью и даже книгу. Поэтому предлагаю рассмотреть основные факты о цвете в изобразительном искусстве и ответить на вопрос о его важности и связи с формой.

Что есть цвет?
Всегда ли палитра художника была так многообразна? В книге С. М. Даниеля «Искусство видеть» очень точно передано данное понятие в главе «Азбука цвета и язык колорита», где ясно и понятно объясняется история цвета и его взаимодействие с художниками. Цвет, как физико-математическое явление появился при Ньютоне, именно он создал так называемый «цветовой круг», однако его концепция состояла на научной теории и была лишена эмоции, как это было у Гёте.
Павел, а вы что по этому поводу думаете? Почему «я тоже так могу» не работает со всеми?

Проследим некую связь времен: от первобытного искусства, античности и Возрождения путь «цвет» проходит удивительную трансформацию: от монохромной живописи к палитре итальянских мастеров; далее романтизм, позже буйство красок импрессионистов и… не похожие ни на кого фовисты. Правда, что цвет не только даёт техническую составляющую картины, он даёт и чувственную? Для эксперимента посмотрите на картину Рембрандта «Урок анатомии доктора Тульпа», затем на Тёрнера «Дождь, пар и скорость», работы с разницей в 200 лет.

3. Главный фактор восприятия картин: расположение цветов, о котором говорилось выше. Художники данного направления умеют точно передать эмоцию через цвет, для этого техническая составляющая зависит не только от чистого цвета, но и от того, как эти цвета расположены между собой. Если вы будете смотреть на картины Матисса на расстоянии 1,5-2 метра (зависит от размера полотна), а потом подойдете ближе рассмотреть каждый мазок: вы увидите совершенно другие цвета. Это происходит за счет того, что художник старается не смешивать краски, а очень точно находит алгоритм расположения цвета.

Кстати, ранние работы Малевича удивительным образом показывают техническую составляющую его творчества и раскрывают понятие «цвет» с новой стороны в искусстве, которая через несколько десятков лет станет кульминацией идеи, камертоном авангарда и обсуждаемым в наше время феноменом. Речь идет о его серии фигур («Черный квадрат», «Черный круг» итд.). Здесь цвет и форма создают новую грань не только в композиции, но и добавляют новые осознания в мысли художников.

Что если теперь добавить еще один элемент. Вспомним, что авангард – это не просто ряд течений с определенными художественными приёмами и заложенным в них смыслом – это образ мыслей художника и особенно прагматичность его восприятия в контексте понимания своих произведений. Предлагаю проследить новую связь с авангардом и узнать интересный феномен современности, который заключается в…

ЛИНИЯ

Безусловно, линия является важнейшим средством выразительности, однако, что если теоретически обозначить линию, как главную составляющую картины. То есть прослеживается прямая связь: от открытой формы и композиции, к новому пониманию цвета, и теперь к новому пониманию линии в произведениях.

Можно ли выделить, что линия является исключительно ярким элементом художников современной эпохи, в частности метамодерна?

Базируясь на фактах значимости линии в пространстве, стоит отметить, что как отдельный элемент она появилась совсем недавно. Особенно ясно начало этого процесса прослеживается в работах Кандинского, не говоря уже о его труде «Точка и линия на плоскости». В случаях с живописью старых мастеров линия создает контур предмета, являясь вспомогательным элементом рисунка. Но не будем забывать, что природа сама по себе не подразумевает контура и абриса. Поэтому линия в этом контексте становится не только помощником, она помогает и направляет художника на создание определенной формы.

Итак, линия в XXI веке. Как, пройдя столько тысяч лет, линия выглядит в наше время?

Связывая с формой, именно линия удивительным образом отражает свободу действий художников современности: она не имеет точки отсчёта, так как в основе своей сразу заключается в динамическое обоснование предмета. Линия является самой основой и не требует дополнений. Линия открывает картину и призывает изменить её. Линия помогает создать композицию и форму, она диктует что делать цвету и показывает расположение.

Художники авангарда сотворили новое во всех формах искусства, раскрыв и буйство красок, сломав построив новые основы композиции и добавив главное – мысль. А что если линия является неким продолжением и создает новую основу?

Посмотрите на произведения в этой статье.

Что вы видите? А что чувствуете? Вам хочется что-то добавить? А может сделать свое?

Предлагаю вернуться и еще глубже прочувствовать и проследить связь с данными картинами в следующей статье.

Форма в классическом и реалистическом искусстве является способом выражения преобразований в единую целостную картину.

Рембрандт. Урок анатомии доктора Тульпа. 1632 г.

Цвет, как самостоятельная единица пришла к нам не так давно. Раскрываясь в конце XIX века в пленэрных зарисовках, цвет выходит в новую форму.

Линия имеет множество свойств, видов и характеристик, которые в свою очередь связываются с формой и цветом.

Филонов. Ударники. 1935.

Дерен. Мост Чаринг-Кросс. 1906

Тернер. Дождь, пар и скорость. 1844

Матисс. Вид Коллиура. 1906